Entrevista desde España con Isabel Villagar

Actualizado: 30 de jun de 2019


Isabel Villagar

Hoy conversamos con Isabel #Villagar, #coach vocal española, Directora en la Comunidad #Valenciana de la Asociación de #Músicos Profesionales de #España, y con un amplio currículo en el área artística. Les invitamos a visitar su webpage www.IsabelVillagar.com


¿Qué podría decirnos sobre el canto y la necesidad de perfeccionamiento en las producciones musicales?

Considero fundamental la preparación de un cantante. Es muy difícil asumir compromisos profesionales y comprometer recursos propios o ajenos si no existe un mínimo de garantías de que el resultado vocal va a responder a unas altas exigencias.


No es lo mismo cantar en un entorno familiar, amateur, etc… que en uno #profesional en el que las horas de estudio de grabación, de coste de los músicos, arreglistas, etc... tienen un precio tasado.


Cuando esto sucede se ha de trabajar con muchísima concentración y profesional y el papel de un coach vocal en las sesiones de #grabación o en los ensayos puede ser determinante. 


¿Consideras importante en una producción musical la figura de un coach vocal?

Sí. Es muy probable que, el día que se tenga que grabar, el cantante no esté al cien por cien, por múltiples factores, y es ahí donde el coach vocal va a ayudar a poner “a punto” voz, cuerpo y mente.


Además podrá dar su criterio en el proceso de grabación respecto a afinación, timbres, emoción, tonalidad, etc… y sabrá orientar al cantante para conseguir los mejores resultados en ese momento.


No hay que olvidar que todos los grandes cantantes han tenido una gran preparación vocal y no han dejado en manos del azar lo que es su responsabilidad profesional (como revelo en mi vídeo “Los 5 secretos del canto”. (https://www.youtube.com/watch?v=RZzkVhzYfuI)


El enfoque en general de Produceme® es concientizar y educar hacia un mercado musical que requiere de un equipo multidisciplinar en donde todos aportan un grano a la mejora del producto final, ¿qué opinas de este tipo de trabajo?

La alta #especialización de cada una de las profesiones hace necesario este tipo de trabajo, necesitaríamos varias vidas para abarcar el conocimiento de un técnico de sonido, de un profesor de canto, de un diseñador, de un relaciones públicas y de un productor… Es por ello que es importante saber qué funciones tiene cada uno, cada perfil,  y ver cómo trabajan para conocer en qué puntos podemos aportar la visión específica propia sobre un tema.


Es la manera que tenemos en Vocal Center (www.vocalcenter.es) de trabajar. 


El trabajo multidisciplinar en la música es el presente y será el futuro !!. 


¿Cómo evoluciona la realidad cultural y artística en España respecto a la música?

Tenemos grandes #artistas y muchísima creatividad (como sucede también en tantos países).  Sin embargo carecemos de un soporte institucional adecuado. La legislación es obsoleta y no se ajusta a la realidad de estos tiempos. Sobre todo, socialmente, es necesario que la ciudadanía entienda que el arte y los artistas merecen mayor consideración y respeto hacia su trabajo. Opino que desde la educación se podrá cambiar poco a poco este paradigma.


¿Cuándo es su mirada realista sobre los obstáculos que se presentan al momento de grabar y producir?

Una de las cuestiones que debe tener en cuenta el cantante es la elección de los tonos que favorezcan su lucimiento artístico.


Los cantantes suelen afrontar las grabaciones con muchos más nervios que un directo y es preciso hacer un trabajo de preparación mental para que los resultados sean satisfactorios.


¿Y para presentar en vivo sea por actitud de las personas, por el mercado y sus oyentes?

Uno debe saber exactamente las #condiciones en las que va a actuar y, sobre todo, los requerimientos técnicos, el rider, para poder #trabajar en buenas condiciones. Muchos problemas vienen de una falta de comunicación con el organizador o el técnico de #sonido y son aspectos que no se pueden dejar al azar. Cuando uno prepara un concierto o espectáculo debe saber las características de la sala y del #público para adecuarse lo más posible a ellas.

En la medida en la que el público sabe lo que va a escuchar y el artista ofrece lo que requiere el público el éxito estará asegurado.


El mercado es el público, sin él el #artista no es nadie. La industria sólo se va a fijar en un artista si es capaz de congregar a un gran número de asistentes a sus actuaciones.  El secreto está en saber contar historias musicales desde la verdad, la autenticidad y la competencia profesional.


¿Cuáles son las principales vías de profesionalización del músico?

Un músico se hace sobre un escenario, por lo tanto no se deberían “quemar etapas”. 

Al principio es importante que los artistas se expongan al mayor número de situaciones posibles, que toquen y/o canten delante de todo tipo de públicos para obtener un mínimo de experiencia.

Una vez superada esta etapa, cuando se es consciente de que el resultado que ofrece es profesional, y en esto no importan ni la edad ni los años que se lleven sobre las tablas, será el momento de hacer propuestas profesionales y cobrar por aquello que se hace.

Por su parte el artista no debe rebajar el valor de su trabajo y debe huir de comportamientos poco profesionales como tocar gratis (salvo alguna contada excepción por motivos humanitarios).


¿Dónde expresa más consejos sobre los contenidos de esta entrevista?

En mi canal de Instagram (https://www.instagram.com/isabelvillagar/) estoy subiendo muchos vídeos con tips de alto interés para los cantantes y músicos en general, así como regularmente se publican actualizaciones en www.labrujuladelcanto.com y su canal de youtube: https://www.youtube.com/user/isavillagar/videos

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